ARTE Y PINTURA - art & painting: 16-10-2010 Inauguración en Alemania, "LAS PERSONAS Y SU VIDA COTIDIANA" En Galeria Kontraste

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miércoles

16-10-2010 Inauguración en Alemania, "LAS PERSONAS Y SU VIDA COTIDIANA" En Galeria Kontraste

El pasado 16 de Octubre, por fin, se inauguró la exposición. Asistieron al evento un gran número de personas. La exposición fue anunciada en Televisión y en Prensa escrita.

La inaguración estuvo muy frecuentada. Hubo un discurso por parte del segundo alcalde de la ciudad Erwitte.

Tuvimos música por unos amigos altamente profesionales. Gitarra y clarinete. La parte oficial duró unos tres cuartos de hora. Los últimos asistentes se fueron a las dos de la madrugada. Los comentarios han sido todos positivos

La exposición fue anunciada por la televisión del estado

Debo agradecer toda la ayuda y colaboración prestada a la Galería y en particular a José S. Ocón, siempre amable y gentil

2 comentarios:

Azucena Rebon dijo...: Preciosas lucen tus obras allì colgadas.
Felicitaciones y muchos exitos!!; 2 de noviembre de 2010 12:02
eflores dijo...: Felicidades Imma, te lo mereces, saludos; 5 de noviembre de 2010 00:22

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Contacto/Información - Contact/information

Exposición: Arte Español en Krasnoyarks / Siberia.

Con motivo del Año de España en Rusia.

He tenido el honor de ser invitada por parte del Ministro de Arte y Cultura del Estado Federal de Krasnoyarsk, en colaboración con la Unión de Artistas de Rusia, Sección Krasnoyarsk para participar en la exposición “España – Siberia” En Krasnoyarsk, capital del Estado Federado del mismo nombre.
La exposición se inagurará el 9 de agosto de este año.
Por primera vez una exposición de arte español contemporáneo, con el titulo “España – Siberia”

Ver mas Aquí

Biografia / biography

Imma desde muy niña siente la necesidad de expresarse, refugiándose de un modo natural en el dibujo y la pintura.Pasa su niñez y primera juventud estudiando y perfeccionándose en un arte que la apasiona y le ofrece una vía para expresar todo su amor hacia lo que esta vivo , analizando la espiritualidad y la belleza de lo que la rodea. "Los objetos tienen recortes del alma de quienes los han poseído, ¿ cuanto mas , no tendrá todo aquello que late y vive?".En el inicio de su carrera empieza a trabajar en distintos campos artísticos, sin dejar nunca la pintura artística, su verdadera pasión. Durante años bebe de diferentes fuentes hasta que decide independizase artísticamente. Entra entonces en un proceso pictórico frenético. A menudo dice: " Incluso sueño que pinto y cuando no pinto tengo la sensación de estar perdiendo el tiempo" Nunca deja de pintar.
Estudios: Germans Arenes i Clavell
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Since Imma Merino was a child, she needed to express herself and she resorted to the act of drawing and painting in a natural way. She passed her childhood and youth studying and becoming perfect in an art that she finds enthusiastic. This art offers her a way of expressing all the love she feels for every living thing, and the opportunity of analysing the spirituality and beauty of what surrounds her. “Objects preserve pieces from the soul of the person they belonged to, what else would preserve those things that live and beat?” At the beginning of her career she worked different artistic fields without giving up the artistic painting, which is her real passion. During several years she was influenced in different ways until she finally decided to be artistically independent. By then, she enters a frenetic pictorial process. Usually she says: “I dream about painting and when I do not paint I feel I am wasting my time”. She never stops painting. She does not like the classifications; this is why she thinks people do have to take a look at the artworks.
Studies: Germans Arenes i Clavell

Técnicas y maneras de pintar al Óleo

Me voy a permitir recapitular y hacer un pequeño resumen de las técnicas mas comunes y utilizadas de como pintar al óleo.Todas ellas son validas funcionales y contrastadas por el tiempo (lo aclaro para los escépticos)Mi fuente "ministerio de cultura" (no tenía muchas ganas de escribir, aunque me he permitido resumirlo para no hacerlo interminable y añadir alguna cosita)Espero que os sea útil y sepais utilizar todos los metodos para luego elegir vuestro favorito en función del resultado que busqueis

TÉCNICAS Podemos encontrar dos maneras o técnicas básicas de pintura al óleo: las obras que se elaboran despacio y trabajosamente con varias o incluso muchas capas sucesivas de pintura, y que en ocasiones pueden tarda años en ser terminadas, y la pintura que se suele terminar en una sola sesión, también llamada "alla prima", utilizando colores opacos que oscurecen lo que haya debajo, si es que hay algo.

Alla prima. Son muchos si no casi todos los pintores de paisajes pintan alla prima. Los estudios paisajísticos de Constable (1776 - 1837), muestran las ventajas de esta técnica. La pintura es excitante, aplicada libremente, y a menudo la frescura del color expresa mejor el momento que muchas de sus obras de estudio más trabajadas. La clave de este método es la capacidad de aplicar la pintura deprisa, rápidamente y con confianza. Este método fue utilizado con gran eficacia por los Impresionistas, un gran exponente de este método fue Van Gogh. Le gustaba pintar frente al modelo, generalmente al aire libre y casi siempre completaba la obra en una.

Prepintado. Se haya o no dibujado el boceto, el prepintado consiste en aplicar algunos colores y tonos fundamentales, para elaborar mas adelante con veladuras y capas de pintura opaca, el cuadro. En esta primera capa, es interesante usar pocos colores y diluir la pintura;lo mejor es usar pinceles grandes.

Veladuras. El óleo es un fantástico medio e para aplicar capas delgadas de pintura transparente, “veladuras”. Pueden hacerse sobre el prepintado, las zonas de color opaco o los impastos. El efecto es totalmente diferente del que se obtendría mezclando los dos colores. La luz que atraviesa la capa transparente y se refleja en el color opaco que hay debajo produce una profundidad y luminosidad especial. Las veladuras suelen aplicarse sobre colores claros - especialmente blanco o gris neutro - porque son los que mejor reflejan la luz. Al lado de estas partes, la pintura opaca parece retroceder, dando así al cuadro una calidad tridimensional.

Impasto. La pintura espesa, aplicada masivamente con pincel o espátula, se llama impasto. Esta técnica suele emplearse para crear textura y dar al cuadro una calidad tridimensional. Se pueden pintar cuadros enteros con impastos. Sin embargo, una de las principales aplicaciones de esta técnica es para prepintar antes de las veladuras. Los impastos claros - especialmente blancos y grises - suelen usarse en este sentido. Con este mismo fin, tanto Tiziano como Rembrandt hacían impastos con espátula.

Restregado. Se trata de aplicar pintura opaca sobre otra capa opaca de color o tono más oscuro, de manera irregular para que parte de la capa inferior siga viéndose. Tradicionalmente, los restregados se hacen moviendo el pincel en sentido circular, pero se puede conseguir el mismo efecto con rayas, brochazos, manchas, punteados, o cualquier otra combinación de marcas que no formen una capa plana de pintura.Los restregados pueden aplicarse con cualquier tipo de pincel; algunos artistas utilizan un pincel, mezclador o en abanico, colocando el lienzo sobre, una mesa y pintando con el pincel perpendicular a la misma. Otros lo hacen con un trapo, o incluso con los dedos, eliminando el exceso de pintura.

Húmedo sobre húmedo. Monet, Sisley y otros muchos impresionistas, repintaban o restregaban sobre una capa de pintura aún húmeda, y a veces trataban de fundir los colores unos con otros. Esta es una característica de muchas pinturas "alla prima". Los colores deben estar mezclados con el mismo medio. ( Mi favorito y sin complejos)

Frotado. Pueden crearse efectos de rica textura irregular con la técnica del frotado, introducida por Max Ernst (1891-1976). Se aplica al lienzo una mancha de color opaco y se la cubre con una superficie no absorbente, como papel satinado. Se frota el papel y después se quita con cuidado.

Barnizado de un cuadro acabado. No es esencial barnizar los cuadros al óleo; un cuadro sin barnizar no tiene por qué deteriorarse si se cuelga o almacena en condiciones razonables. El barniz tiene la desventaja de que tiende a amarillear con el tiempo, pero protege a las pinturas de las impurezas del aire y realza el brillo del color. Es buena idea barnizar las obras que contengan impastos espesos que puedan tender a hundirse.Un cuadro debe barnizarse de 3 a 6 meses o mas (tambíen influye el clima) después de terminado; para entonces la pintura se habrá secado lo suficiente y habrán cesado la contracción y expansión. La pintura muy espesa puede necesitar más de 6 meses para secarse.Lo mejor es emplear un barniz suave de alcohol de resina como damar o almácigo, si se desea una superficie brillante; o un barniz de cera si se prefiere un acabado semimate.

Sobre los colores de la piel humana

Decir que no existe un color de piel específico, por lo que no puedo darte una formula ( lo peor que puedes hacer es comprar un preparado). Para pintar bien los colores, cuales quiera que sean, has de saber observarlos. En el caso de la piel no es diferente, no existe una sola manera o un solo color de piel, por el hecho simple de que no hay dos personas con el mismo color, (observa bien, compara acercando tu brazo al de un pariente, amigo, compañero... de un sexo de otro...) nadie tiene la piel exactamente del mismo color que otro, y aun tratándose de un mismo personaje, dependiendo de la luz que tenga en ese momento, o de lo que le rodee e influya, los tonos de su piel cambiaran, el abanico es muy amplio, violetas, verdes, azules, amarillos, .... Cualquier color puedes encontrarlo en un cuerpo dependiendo de la raza, luz, y variaciones personales y mas... por lo que no hay un modo, sino al contrario, muchos modos de pintar la piel humana, al igual que ocurre con cualquier otra cosa de todas las que pueden ser pintadas. Mira cuadros clásicos, los mejores, veras que se puede pintar una piel maravillosa con grises, azules, verdes.... todo depende de lo que tenga alrededor, del conjunto del cuadro.

Escorzos y figura

Los escorzos siempre han supuesto un problema o dificultad añadida para aquellos que se enfrentan a ellos en sus inicios artísticos, incluso muchos expertos pintores eluden estos temas. Si los escorzos se aplican a la figura humana estas dificultades suelen multiplicarse.
Que es un escorzo: 1. . Perspectiva que se utiliza en pintura para representar figuras perpendicularmente al lienzo o al papel:dibujó un caballo en escorzo. 2. . Figura que tiene una parte girada con respecto al resto del cuerpo:se colocó en escorzo ante el espejo y logró un bello autorretrato.Para entendernos, un escorzo es un cuerpo pintado en perspectiva, Un escorzo puede ser de todo un cuerpo o de una parte de este.
La cuestión es que los seres humanos tenemos una tendencia natural a representarnos a nosotros mismos en posiciones muy cercanas a la hierática por lo que todo lo que suponga romper esta inclinación nos supone una dificultad añadida.
Si dibujar un escorzo de una figura geométrica sencilla (una caja de zapatos) no ha de suponer un esfuerzo especial, conociendo mínimamente las leyes de la perspectiva, cualquier manual sencillo nos enseñara como hacerlo y ello no será un problema para un dibujante mínimamente aceptable.El problema viene cuando esa figura es mas compleja. Tiene muchas aristas, pendientes, subidas, curvas… Entonces nos empezamos a perdernos entre tantas posibilidades.Y si esas dificultades añadimos contornos redondeados como los que pueda tener cualquier ser vivo y le sumamos el hecho de que a los humanos nos gusta vernos de frente, ejem.s el pintor o dibujante puede pasar horas intentando solucionar un escorzo sin conseguirlo.
Sin embargo ese cuerpo esta sujeto exactamente a las mismas leyes de la perspectiva que una caja de zapatos. Es nuestra psicología la que nos juega malas pasada de apreciación y es de nuestros “sistemas mentales “ de los que nos tenemos que liberar y tener imaginación, sobre todo si el escorzo lo dibujamos sin modelo. Hemos de imaginar que se ve y que no y como.
Para encajar el escorzo yo os invitaría, en primer lugar a olvidar de que estáis dibujando un cuerpo humano, intentar liberaros de ese pensamiento y mirarlo como si se tratara de un paisaje o de un conjunto de figuras geométricas sencillas amontonadas. (ya sabéis que el cuerpo humano puede descomponerse geométricamente).
Una manera de introducirse en ello, es imaginar que el cuerpo esta metido en una caja o cabina, de manera que encaja perfectamente con los puntos mas elevados o mas anchos del cuerpo a pintar, recordar que la caja ha de tener profundidad, altura y anchura. Las tres dimensiones. Todo ello ha de estar en vuestra cabeza.Vamos a imaginar que queréis pintar un hombre tumbado, con los pies en primer plano y la cabeza al fondo, un brazo extendido hacia arriba y el otro en jarras sobre su cadera. La caja en la que estaría metido tendría la altura del brazo que tiene en alto, la largura de sus pies a la cabeza y la anchura de uno de sus hombros hasta el codo del brazo que tiene en jarras.
Ahora situad la caja en el papel. Dibujarla bien orientada con su punto de fuga bien señalizado en el papel. Empezar por lo que esta mas cerca, la cara de la caja donde están los pies, no solo los pies, sino no toda la cara, es decir, con la anchura y la altura necesaria, vamos que hay que dibujar esa especie de caja rectangular y perfecta. Empezáis por lo que tenéis mas cerca y proyectáis el resto de la caja hacia su punto de fuga. Inmediatamente después dibujáis donde termina la caja, su largura.Solo tenéis que colocar a en su interior a vuestro hombre tumbado, ya tenéis la altura máxima a la que estar su mano extendida, sabéis que su codo sobresaldrá por uno de los lados de manera que el centro geométrico de hombre estará a un lado de la caja, no en su centro ( es interesante que hagáis una línea marcando ese centro del individuo que va de la cabeza al centro de sus pies) y a partir de ahí empezáis por los pies y situáis al caballero en el interior de la caja.
Para los menos ordenados quizás esto les maree un poco, y prefieran ir por “libre”Recomiendo una vez mas que olvidéis que pintáis un ser humano, o un ser vivo cual fuere, imaginar que es solo un paisaje. Lo encajáis bien, y luego ya podéis volver a la idea de que es un cuerpo vivo.Hay que imaginar que veréis de ese cuerpo y que no, todas las distancias largas se acortaran (de ahí el nombre de escozo) que algunas partes del cuerpo quedaran ocultas a la vista del espectador y otras se harán mas evidente y grandes (en este caso los pies)
A la hora de ponerle color o sombra es lo mismo que cualquier otra cosa, lo que esta cerca muy detallado lo que esta lejos… no tanto, lo que esta cerca unos colore mas limpios, los colores del lo que esta lejos tomaran mas de los que tengan alrededor.
Al fin y al cabo pintar un escorzo humano, es como pintar cualquier otra cosa que tenga una fuerte perspectiva. Lo mas importante es olvidarse, a la hora de dibujarlo, de la “hieratividad” incluso de que es un ser vivo. Se que es difícil pero solo la práctica y el esfuerzo os darán buenos resultados.Como siempre un buen maestro es importante y puede ayudar a comprender y dar los primeros pasos. Es difícil aconsejar sin ver los resultados obtenidos hasta ahora, también es cierto que no todos los maestros sabrán como enfrentarse a un escorzo, muchos eluden el tema.

EN PROCESO. HISTORICAS.

ADELAÏDE LABILLE DES VERTUS
1749-1803
ALEXANDRA EXTER
1882-1949

ANGÉLICA KAUFFMANN
1741-1807

Maria Anna Angelika/Angelica Katharina Kauffmann (30 de octubre de 1741 – 5 de noviembre de 1807) fue una pintora suizo-austriaca.
Movimiento: Rococó/Neoclasicismo

Se la acusa de que sus hombre son mujeres masculinas pero hay que decir que en aquella época no le estaba permitido tener modelos masculinos, por lo que al parecer usaba para tal fin, mujeres vestidas de hombres. Su colorido es alegre.

Nació en Chur ( Cantón de los Grisones, Suiza), pero creció en Schwarzenberg en Volrarlberg (Austria), de donde era oriunda su familia. Su padre, Johann Josef Kauffmann, era pobre y un pintor bastante mediocre, pero aparentemente muy bueno enseñando a su precoz hija. Pronto aprendió varios idiomas, leía incesantemente, y mostraba un destacado talento como música. Su mayor progreso, no obstante, era en pintura; y al cumplir los doce años ya era famosa. A partir de los 13 años empezó a viajar Italia (Milan, Roma, Bolonia, Venecia) siendo celebrada en todos los lugares a los que iba, por su talento y por su encanto personal.

Hablaba italiano, además de alemán; e igualmente se expresa con facilidad en francés e inglés, y como resultado de este último talento era una retratista popular entre los ingleses que visitaban Roma. Se la consideraba bella y cantante deliciosa.

Viajo a Londres de la mano de Lady Wentworth, la esposa del embajador inglés. Una de sus primeras obras fue un retrato de David Garrick, expuesta el año de su llegada en el «gran salón del Sr. Moreing en Maiden Lane». El rango de Lady Wentworth le abrió las puertas de la sociedad, y fue bien recibida en todas partes, mostrándole especialmente un gran favor la familia real.
Sir Joshua Reynolds. La nombra con frecuencia en su cuaderno de notas, como Miss Angelica o Miss Angel, y en 1766 él la pintó, un cumplido que ella devolvió con su Retrato de Sir Joshua Reynolds, gozaron de una muy buena amistad. Cuando, alrededor de noviembre de 1767, ella fue cogida en una trampa para casarse clandestinamente con un aventurero que pasaba por ser un conde sueco (el Conde de Horn), Reynolds ayudó a liberarla. Es sin duda alguna debido a los buenos oficios de Reynolds que Angelica fuese una de las fundadoras de la Royal Academy, estando entre los firmantes de la famosa petición al rey para que estableciera una Academia Real de Pintura y Escultura. En su primer catálogo de 1769 ella aparece con «R.A.» después de su nombre (un honor que compartió con otra mujer, Mary Moser.

Desde 1769 hasta 1782, Angelica exhibió sus pinturas en la exposición anual, enviando a veces hasta siete cuadros. En 1773 fue escogida por la Academia, entre otros, para decorar la Catedral de san Pablo, y fue ella quien, con Biagio Rebecca, pintó la antigua sala de lectura de la Academia en Somerset House.

Sus mejores trabajos eran los de pintura Historica, la categoría más lucrativa dentro de la pintura académica del siglo XVIII. Bajo la dirección de Sir Joshua Reynolds, la Academia hizo un gran esfuerzo para promocionar la pintura de historia entre un público inglés. A pesar de la popularidad que Kauffmann disfrutaba en la sociedad inglesa y su éxito como artista, estaba decepcionada por la relativa apatía que los ingleses sentían hacia la pintura de historia. Al final, abandonó Inglaterra y marchó al continente, donde este género estaba mejor establecido, estimado y pagado.

En 1781, después de la muerte de su primer marido (del que estuvo separada durante largo tiempo), se casó con Antonio Zucchi, un artista veneciano por entonces residente en Inglaterra. Poco después ella se retiró a Roma, donde se hizo amiga, entre otros, de Johan Wolfgang von Goethe, quien dijo que ella trabajaba más duro y lograba más que ningún otro artista que él conociese, pero siempre impaciente, quería hacer más. Vivió durante 25 años con gran parte de su antiguo prestigio.
Siguió contribuyendo a la Academia de manera intermitente, exponiendo por última vez en 1797. Después de esto es poco lo que produjo, y en 1807 murió en Roma, siendo honrada con un espléndido funeral, como en el entierro de Rafael, dos de sus mejores pinturas fueron llevadas en procesión.

No debe ser confundida con la pintora Angelika Kaufmann, que nació en 1935 en Carintia, Austria.

ANNA BILINSKA BOHDANOWICZOWA
1857-1893
ANNA KIRSTINE BRONDUM ANCHER
1859-1935
ANNE LOISE GIRODET ROUSSY TRIOSON
1767-1824
ANNIE SWYNNERTON
1844-1933
ANNE ANCHER
1859-1935
ARTEMISA GENTILESCHI
1593-1652

BERTHE MORISOT
1841-1894
Nace en Bourges (Francia), en el seno de una familia burguesa, Su familia animó a Berthe y Edma, su hermana a iniciarse en el arte. Morisot demostró la grandes posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX
A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció al reconocido paisajista Camilla Corot, de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos. Pronto asumió la técnica impresionista de pintar al aire libre, así pintaba pequeños cuadros y esbozos de obras que terminaba en su estudio. Pronto expuso en el Salón de París -1864 y continuó exhibiendo en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista.
En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con el hermano menor de este Eugène. Fue ella quien convenció al maestro de pintar al aire libre atrayéndole al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se consideró como impresionista.
Morisot, junto a Camilla Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales.
Al igual que otras artistas femeninas, Berthe Morisot se vió relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista, pintaba lo que veía en su vida normal de mujer de la alta burguesía, habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, puesto que el mundo masculino les estaba vetado. Pero sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos:
Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos y desnudos femeninos y Claude Monet pintaba su jardín, sus hijos, etc.
Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar de esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos.
la frescura luminosa de sus colores, la pincelada libre, vigorosa, y la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y admiradas. Y en ellas se reconoce la influencia de Renoir desde 1880.
La vida de Berthe Morisot se vio marcada por la muerte de Édouard Maned en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien tuvo toda su vida lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.
Murió el 2 de marzo de 1895 en París En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.

BESSIE MACNICHOL
1869-1904
BETTINA STEINKE
1913-199
CATHERINE MADOX BROWN HEUFFER
1850-1927
CATERINA VAN HEMESSEN
1528-1566
CHRISTINA ROBERTSON
1796-1854
CLARA PEETERS
1589-1676
ELENA YANCHAK
1918-1967
ELISABETH LOUISE VIGÉELE BRUN
1755-1842
ELISABETTA SIRANI
1638-1665
EMMA SANDYS
1834-1877
EVA GONZALEZ
1849-1883
FEDE GALIZIA
1578-1630
GABRIELLA MÜNTER
1877-1962
GEORGIA O'KEEFE
1887-1986
GWEN JHON
1876-1939
HENRIETTE WYETH
1907-1997
JOANNA BOYCE
1831-1861
JUDITH LEYSTER
1609-1660
KATHE KOLLWITZ
1867-1945
LABILLE GUIARD
1749-1803
LAVINIA FONTANA
1552-1614
LEONORA CARRINTONG
1917-1996
LILLA CABOT PERRY
1848-1933
LILI MARTIN SPENCER
1822-1902
LILLIAN GENTH
1876-1953
LIUBOV POPOVA
1892-1924

.
LOUISE ABBÉMA
1858-1927
.
Nacida en 1858 dentro de una familia aristócrata en Etampes, Francia; Louise Abbéma tuvo una temprana introducción al mundo de las artes. Fue pintora, grabadora, escultora, diseñadora, escritora, y una de las mujeres más existosas de su época. Fue discípula de Charles Chaplin, Jean-Jacques Henner y Carlus-Duran, quienes le enseñaron sobre pintura, ya que aún no era común el que las mujeres fuesen aceptadas en las academias de arte.
En 1876, a los 18 años, su retrato de Sarah Bernhardt, actriz de cine y teatro francesa con quien tuvo una relación amorosa, fué exhibido en el Salón de París, donde tuvo gran éxito. Abbéma se convirtió en la retratista oficial de Bernhardt.
Como pintora, se especializó en acuarela y retratos al óleo, y un tema que se repite particularmente son las flores. Su obra está influenciada por el arte chino y japonés (muy de moda en la época), y por los grandes maestros de entonces, como Édouard Manet.
En 1900, obtuvo una medalla de bronce en la Exposición Universal de París. Fue nominada pintora oficial de la Tercera República.

Abbéma escribió que fue la pintora lesbiana Rosa Bonheur quien la hizo querer ser una artista.
.
LOUISE MOILLÓN
1610-1696
LUCIA ANGUISSOLA
1538-1565
LYDIA FIELD EMMET
1866-1952
MAGADALENA FRIDA KAHLO
1910-1954
MARGARITE GERARD
1761-1837
MARIA KONSTANTINOVNA BARSHKIRTSEVA
1741-1807
MARIA SYBILLA MERIAN
1647-1717
MARIANNE NORT
1830-1890
MARIANNE STOKES
1855-1927
MARIANNE VON WEREFKIN
1860-1938
MARIE BA BASHKIRTSEFF
1858-1884
MARIE BENOIST
1768-1826
MARIE BLANCHARD
1881-1932
MARIE BRACQUEMOND
1840-1916
MARIE DENISE VILLERS
1774-1821
MARIE LAURENCIN
1883-1956
MARIE LOIRE
17,,,
MARIE SPARTALI STILLMAN
1843-1927
MARIE STILMAN
1843-1927
MARIE CASSAT
1844-1926
MARY FOOTE
1871-1968
MARY STEVENSON CASSAT
1844-1926
MARTHA SAWYER
NADEZHDA UDALTSOVA
1885-1961
NATALIA GONTCHAROVA
1881-1962
NORAH GRAY
1882-1931
OLGA ROZANOVA
1886-1918
REMEDIOS VARO
1908-1963
ROSA BONHEUR
1822-1899
ROSALBA GIOVANNA CARRIERA
1675-1757
SOFONISBA ANGUISSOLA
1532-1625
SALLY HUGHES SMITH
SONIA DELAUNAY
1885-1979
SUZANNE VALADOU (MARIE CLEMENTINE VALADOU)
TAMARA LAMPIKA
1898-1980
THERESE SCHUWARTZE
1852-1918
VARVARA STEPANOVA
1894-1958
YULIA BIRIUKOVA
1895-1972

fuentes: Wikipedia

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